Exposición antológica

Fecha de inicio: mayo de 1985
Fecha de término: 1985
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas:
Artistas representativos: Ignacio Asúnsolo
Catálogo: Sí
Síntesis: En mayo de 1985, con Ignacio Asúnsolo, escultor. 1890-1965. Exposición antológica se abrió una puerta a la revisión del problema radical de cómo debía ser una escultura mexicana que respondiera a las exigencias de nuestro incipiente nacionalismo, a la visión que el país habría de ir teniendo de sí mismo en cuanto trabajo a realizar, en cuanto a futuro. Por el hecho del proyecto sociopolítico en que se insertó el trabajo de Asúnsolo, un proyecto de Estado, abrió, como tantos otros artistas, como la misma escuela mexicana de pintura, la problemática de la situación del artista plástico no tanto frente al Estado en general, sino al Estado mexicano en concreto. Asúnsolo ofreció la oportunidad de abordarlo muy directamente, teniendo presente que, siguió de cerca la curva histórica de los gobiernos posrevolucionarios. El pensamiento moderno sobre América Latina, donde se integra el de México, procedió a esta asimilación de hechos que antes parecían no pertinentes o colaterales a un pensamiento latinoamericano actualizado, por no decir revolucionario, pero que resultan esenciales para la comprensión de nosotros mismos y para integrar un humanismo cuyos contornos empezamos a advertir. Por estas razones, y por el valor intrínseco de la obra de Asúnsolo, por su calor, su amor a la vida, su compasión, su profunda solidaridad con los seres humanos, el Museo Nacional de Arte presentó con orgullo esta exposición.

Conciencia y Paisaje

Fecha de inicio: diciembre de 1984
Fecha de término: marzo de 1985
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas:
Artistas representativos: Gerardo Murillo, Dr. Atl
Catálogo: Sí
Síntesis: La muestra Gerardo Murillo, Dr. Atl 1875-1964. Conciencia y Paisaje fue un recorrido que se inició en el Museo Nacional de Arte, entre diciembre de 1984 y marzo de 1985, y concluyó en el Palacio de Minería. Conformó una narrativa histórico-visual que inició desde su etapa formativa y los primeros contactos con las vanguardias artísticas hasta su infinito número de cuadros dedicados al Paricutín; la intervención del artista en proyectos culturales, los movimientos revolucionarios y su paulatino proceso de derechización que lo llevo a favorecer el nazifacismo. Fue una muestra retrospectiva organizada conjuntamente por la UNAM y el INBA.

Los años cubistas

Fecha de inicio: diciembre de 1984
Fecha de término: febrero de 1985
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas: Más de 70 obras
Artistas representativos: Diego Rivera
Catálogo: Sí
Síntesis: El mérito de la exposición Diego Rivera. Los años cubistas, se presentó de diciembre de 1984 a febrero de 1985 y cuya idea surgió de Ramón Favela, de la Universidad de Texas, fue hacernos reconsiderar esa obra por sus propios méritos, como fase del pintor que se satisfizo en sí misma al mismo tiempo que constituyó un aspecto importante del movimiento en que se inscribió. Ocuparse del cubismo de Rivera sirvió para ilustrar lo que realmente le representó al pintor la enseñanza recibida en la Academia en México, al mismo tiempo que ayuda a comprender el hasta ahora misterioso mecanismo mental por lo que, haciendo caso omiso de la pintura mural decorativa de la Europa de principios de siglo, fue sensible a la del Trecento y el Quatrocento, sobre la cual enfocó una inteligencia sensible a la lección de Cézanne. Fue de agradecer a Ramón Favela, al Museo de Arte de Phoenix, Arizona, la Galería IBM de Ciencia y Arte de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de San Francisco, la parte que desempeñaron en hacer posible este acontecimiento y en cuanto a la difusión que le dieron.

1887-1968

Fecha de inicio: agosto de 1984
Fecha de término: octubre de 1984
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XIX
Número de piezas: Más de 70 obras
Artistas representativos: Roberto Montenegro
Catálogo: Sí
Síntesis: El pintor Roberto Montenegro fue figura importante en la gestación del movimiento mural, y uno de los más eximios representantes de la pintura de caballete de la Escuela Mexicana. Hombre de fina sensibilidad se sintió atraído por las principales poéticas contemporáneas cuyo arranque, a la vuelta del siglo, se significó por la asimilación del simbolismo tal y como éste se manifiesta en la pintura francesa y en las ilustraciones del Yellow Book. En la Revista Moderna tuvo puntos de convergencia con Julio Ruelas sin que existan similitudes formales entre uno y otro. Montenegro dejó el país durante la Revolución de 1910, para volver hasta 1919 en que se dedicó a realizar una gran revaloración del arte popular, afán que comparte con Jorge Enciso. Su interés por esta modalidad artística permite que ciertos motivos tomados de la artesanía, de la máscara o del juguete popular encuentren cabida en sus insólitas composiciones que reflejan especial disposición para combinar elementos discordantes. Después de la muerte de Roberto Montenegro, acaecida en 1968, el INBA organizó una pequeña muestra retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno, y un año más tarde la Academia de Artes, a la que Montenegro pertenecía como socio fundador, le organizó una exposición-homenaje. Desde entonces hasta octubre de 1984 no se había reunido un conjunto importante de obras de este pintor. De aquí la importancia de la exposición que se presentó en el Museo Regional de Guadalajara del Instituto Nacional de Antropología e Historia, con el auspicio y coordinación de Fomento Cultural Banamex y finalmente en el Museo Nacional de Arte donde la exposición se tituló con el mismo nombre del Artista, Roberto Montenegro, 1887-1968, de septiembre a octubre de 1984.

1867-1939. Del porfiriato a la postrevolución

Fecha de inicio: mayo de 1984
Fecha de término: agosto de 1984
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XIX
Número de piezas: Más de 80 obras
Artistas representativos: José Jara
Catálogo: Sí
Síntesis: José Jara (1867-1939), una generación entre dos siglos: del porfiriato a la postrevolución. Se presentó en los meses de mayo a agosto del año de 1984. Las huelgas de principios de siglo en la Academia de San Carlos hechas por los jóvenes que habrían de fundar más tarde la escuela de pintura mexicana crearon un mito, éste, integrado a otras manifestaciones de impugnación contra la cultura del porfiriato, tuvo más tarde, en la fase postrevolucionaria, al arranque del muralismo, el efecto de un corte drástico respecto de la Academia. Los pintores entre dos siglos, truncos o confinados, no tenían idea de ser precursores de nadie, creían ser pioneros, avanzados, autores de obras definitivas, artistas responsables ante su arte y su tiempo. Lo que siguieron siendo algunos de los maestros formados ahí, dejó prácticamente de tener validez en el clima creado por la revolución. El Museo Nacional de Arte propuso que se les enfocara como generación, que se expusiera el significado que tienen en ese puente donde estuvieron a punto de caer en la penumbra que se entiende su drama y que se leyera en trasparencia a través de su obra el palpitar de un pensamiento colectivo que tuvo como gran meta el construir la nación. Aún hoy la fecha de 1910 se levanta como una barrera detrás de la cual quedaron ellos, congelados en alguna cultura que no sentimos próxima, en un país diverso. Su obra en conjunto ejemplificó un momento importante en el camino de la definición de una identidad cultural nacional; en modos que quizá no advertimos, vivos en la polémica actual por la nación. Esa polémica que surgió a la par con el movimiento independentista y es el sentido de nuestra tarea nacional.

Fecha de inicio: febrero de 1984
Fecha de término: 1984
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas: Más de 60 obras
Artistas representativos: Cuixart
Catálogo: Sí
Síntesis: La presentación en el Museo Nacional de Arte de la exposición Cuixart, en el marco de las jornadas de Cataluña en México, en el año de 1984 en el mes de febrero, fue fundamento de un intercambio cultural entre España y México y base de una reflexión sobre nuestra propia diversidad e identidad nacional. Sobre estos vínculos que han unido siempre a España con México se construyó una nueva relación que planteó el descubrimiento de tareas afines apuntadas hacia un futuro en el que los dos países tuvieron mucho que decir y dar mancomunadamente al mundo. La exposición de Cuixart aconteció en un momento en que México hizo el recuento de sus logros y de sus posibilidades desde que se organizó como el país que fue hasta entonces, en los años veinte, cuando la posrevolución. En ese recuento figuró, como es natural, la cultura, y en la cultura uno de sus sectores más ilustres y universales, la pintura. Más de un mexicano se auguró que esta presencia de Cuixart presagiaría un contacto más estrecho entre ambos hemisferios artísticos. Habría que señalar como significativo el hecho de que haya sido precisamente en Barcelona, en 1921, donde David Alfaro Siqueiros publicó sus tres llamamientos de orientación actual a los pintores y escultores de la generación americana, uno de los documentos fundamentales para el surgimiento de nuestro muralismo.

1867-1937. Del porfiriato a la posrevolución

Fecha de inicio: julio de 1984
Fecha de término: octubre de 1984
Sede: Sala de Exposiciones Temporales
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas: Más de 160 obras
Artistas representativos: Germán Gedovius
Catálogo: Sí
Síntesis: Germán Gedovius 1867-1937 fue la primera exposición global que se llevó a cabo de la obra de este artista en los 117 años transcurridos desde su nacimiento y los 47 desde que murió. En los meses de julio a octubre de 1984 se presentó en la Sala de Exposiciones Temporales. El número de cuadros de su autoría que figuraron en esta exposición dio una clara idea tanto de su capacidad de trabajo, como de la estima de que gozó. Por eso, una detenida consideración de su obra, del significado de sus preocupaciones por alcanzar un cierto nivel de excelencia, de su experimentación con diferentes estilos y actitudes ante el quehacer pictórico, a partir de la experiencia alemana finisecular —por contraste con la otra búsqueda, posterior, de Diego Rivera, en el París vanguardista de principios de siglo—, sirvió para entender más a fondo los orígenes y motores propiamente culturales —o sea, de cultivo— que tuvieron muchas experiencias mexicanas esenciales para nuestro tiempo. Fue hora de que muchas de esas motivaciones se dejaran de ver como datos de natura, es decir, en el fondo, irracionales, para que se enfocaran con un sentido, esto es, como esfuerzos en una forja del país en la que hemos estado todos comprometidos.

Sainete, drama y barbarie.

Fecha de inicio: noviembre de 1983
Fecha de término: 1983
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas: Más de 390 obras
Artistas representativos: José Clemente Orozco
Catálogo: Sí
Síntesis: El Instituto Nacional de Bellas Artes se propuso como una de sus tareas fundamentales rendir homenaje a los grandes artistas de nuestro país y con ello aspiró a concentrar la opinión de la sociedad en sus creadores y subrayar el papel de la cultura en la conformación de la identidad nacional. Por ello la exposición José Clemente Orozco. Sainete, drama y barbarie. Centenario. 1883-1983. Homenaje a José Clemente Orozco en el Museo del Palacio de Bellas Artes en noviembre de 1983, en la ocasión de conmemorar treinta años de su muerte, fue un acto cuya solemnidad y trascendencia emocionó a un gran número de personas, mucho más allá del círculo de los iniciados y conocedores, de los artistas y amantes del arte. La muestra se compuso de 670 obras entre óleos, grabados y dibujos. Antes de haberse reunido este imponente acervo de creaciones, se honró la memoria de Orozco, como parte del homenaje de México, con la exhibición de sus obras primero en La Habana, en el Museo Nacional del Palacio de Bellas Artes, en septiembre de 1978; luego en París, de enero a mayo de 1979, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, y posteriormente en Madrid, en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, durante junio y julio.

Fecha de inicio: junio de 1983
Fecha de término: agosto de 1983
Sede: Sala de Exposiciones Temporales
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas: Más de 260 obras
Artistas representativos: Frida Kahlo, Tina Modotti
Catálogo: Sí
Síntesis: La exposición Frida Kahlo – Tina Modotti llegó a México para ser exhibida en el Museo Nacional de Arte, después de que en 1982, la Whitechapel Art Gallery de Londres abrió una exposición con obras pictóricas y fotográficas de estas aristas. Su itinerancia por importantes museos y galerías de capitales europeas y su paso por la Grey Art Gallery de la Universidad de Nueva York, permitieron que de junio a agosto de 1983 llegara a México enriquecida con otras obras. Dos conjuntos de obras claramente distintos; la pintura de Kahlo y la fotografía de Modotti. Las obras tienen en común, haber sido producidas por mujeres en épocas a veces coincidentes: la década 1920-30. Ambas relacionadas al llamado "renacimiento mexicano", movimiento en el que se conjugaban expresamente la militancia política y la producción artística. Para Frida, la pintura era una vía de introspección o desahogo espiritual. En el caso de Tina Modotti las cosas estaban claras, para ella se trataba de usar la cámara como una herramienta, como el medio más elocuente y directo de fijar o registrar la época presente.

1789-1860

Fecha de inicio: 15 de marzo de 1983
Fecha de término: 22 de mayo de 1983
Sede: Sala de Exposiciones Temporales
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XIX
Número de piezas: Más de 100 obras
Artistas representativos: José Manzo
Catálogo: Sí
Síntesis: José Manzo. Artista Neoclásico (1789-1860), fue un proyecto que El Museo Nacional de Arte presentó en colaboración con la Universidad Autónoma de Puebla. Tuvo lugar en la Sala de Exposiciones Temporales del museo, del 15 de marzo al 22 de mayo de 1983, estuvo conformada por una colección de dibujos que custodia la Pinacoteca de aquella Universidad, y a la que acompañan otros objetos artísticos y documentos que permiten exhibir la figura de este artista nacido en la ciudad de Puebla en 1789. Uno de los grandes maestros del Neoclásico, dejó una huella de su poder creativo en varias órdenes de la expresión humana. Influenciado por Manuel Tolsá, quien a su llegada a la Nueva España recomendaba a los obispos, sacerdotes y fieles actualizar los interiores de los templos, sustituyendo las formas complejas del Barroco y del Rococó por las formas simples del Neoclásico, es pieza clave para la relectura de la obra de Manzo, quien realizó su proyecto artístico al lado del platero poblano Antonio Villafañe, y bajo la tutela de sus profesores Salvador del Huerto y Miguel Jerónimo Zendejas.

1898-1971

Fecha de inicio: noviembre de 1982
Fecha de término: 1982
Sede:
Tipo: Monográfica
Periodos: siglo XX
Número de piezas: Más de 130 obras
Artistas representativos: Agustín Lazo
Catálogo: Sí
Síntesis: La exposición Agustín Lazo 1898-1971 se inauguró en noviembre de 1982 y tuvo como finalidad mostrar a este pintor, intimista por excelencia, en su relación con el teatro en México, interviniendo en la renovación del espectáculo. En torno a su figura se sientan los fundamentos de una tradición mexicana de escenografía; es el dramaturgo que en sus piezas reflexiona sobre la historia mexicana y el ensayista que escudriña el recóndito lenguaje de la Coatlicue. En la muestra se exhibe su pintura parca pausada, cuya modestia esconde una recóndita soberbia. Agustín Lazo se ensaya continuamente y da lo mejor de sí en cuadros que se balancean entre no ser nada y serlo todo. Lazo emite a la mexicana ambigüedad del albur, a la incierta, indefinida fantasía de los corridos, a la delicadeza supremamente elegante del campesino, a la cortesía estudiada del pueblerino, a la rudeza maliciosa del artesano, a las verdades entrecortadas del hombre de la ciudad.